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10 Músicos Legendarios Eligen los Peores Discos de sus Carreras

por Escape Musical

A pesar de toda la música excepcional que las bandas más importantes de la historia han producido, las estrellas solo se alinean de vez en cuando para convertir meras canciones buenas en obras maestras.

Mientras que bandas como The Beatles y The Rolling Stones pueden tener grandes álbumes en su haber, los artistas que los hicieron tienen algo que decir sobre lo peor en su catálogo.

Por otro lado, es casi inevitable que cada artista tenga esos pocos álbumes con los que nunca se conectaron verdaderamente.

Aunque pueden haber sido responsables de idear las canciones o de realizar las actuaciones, no han mirado atrás con cariño al producto final, pensando que las interpretaciones fueron poco inspiradas o no eran lo que inicialmente habían imaginado.

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La imagen muestra a Pink Floyd a principios de la década de los 70

Si bien muchos de los problemas con estos álbumes podrían haberse solucionado, algunos nunca deberían haberse hecho en primer lugar según la mente del artista.

En lugar de pensar que necesitaban ajustes, algunos álbumes están más allá de toda redención según sus propios creadores, deseando poder volver el tiempo para borrarlos completamente.

Eso no ha impedido que los fans elogien o disfruten los álbumes, ya sea desde el momento en que salieron o mirándolos retrospectivamente como joyas infravaloradas en sus discografías.

¡Uno!, ¡Dos!, ¡Tré! — Billie Joe Armstrong

Era casi imposible detener el impulso que Green Day había ganado después de American Idiot. Reavivando su carrera con un álbum conceptual que condenaba la administración de Bush.

Billie Joe Armstrong quería apuntar más alto en cada álbum subsiguiente, haciendo de 21st Century Breakdown uno de los álbumes más grandiosos que habían hecho.

Aunque la idea de tener una trilogía para el próximo álbum parecía buena, Armstrong admitió que se pasó de sus capacidades durante todo el proyecto.

Muchas de las canciones del álbum tienen fragmentos decentes, también hay un puñado de pistas que deberían haber sido relegadas a lados B.

Al intentar darle a cada álbum una identidad única, Armstrong se disparó en el pie escribiendo por encargo la mitad del tiempo, incluyendo algunas canciones que nunca deberían haber sido lanzadas en primer lugar, como el híbrido de rap-rock ‘Nightlife’.

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Mirando hacia atrás en el proyecto, Armstrong atribuyó la mayor parte de su juicio a sus problemas con adicciones durante la grabación del álbum, pensando que la mayoría de las canciones eran excepcionales.

Aunque Green Day pudo haber tenido un historial sólido de hacer excelente música pop-punk en el pasado, lanzar estos álbumes consecutivos tan rápidamente es la personificación de la frase “demasiado pronto”.

Echo — Tom Petty

Desde que comenzó con los Heartbreakers, el enfoque romántico de Tom Petty al escribir sobre el corazón de los EE.UU. ha permanecido inigualado en su campo, incluso atrayendo la atención de legendarios del rock como Bob Dylan y George Harrison.

Mientras Petty venía al alza con “Wildflowers” de 1994, “Echo” fue el sonido de su regreso a la realidad.

Después de un tumultuoso divorcio, gran parte del álbum refleja el estado frágil de Petty durante la grabación.

De todos los álbumes que hizo, Petty diría que no quería volver a visitar este disco, pensando que no comprendió lo que quería hacer a lo largo del proyecto.

Aunque hay algunos momentos sinceros en el álbum, como la pista titular y ‘Room at the Top’, el álbum también tiene una corriente triste después de la muerte del bajista de toda la vida, Howie Epstein, quien perdería su batalla contra la adicción a la heroína poco después de trabajar en el proyecto.

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En lugar de los sonidos de la liberación del rock and roll de la mejor obra de Petty, “Echo” es el sonido del roquero del corazón en su punto más débil, rogando por algún tipo de alivio.

“One By One” — Dave Grohl

Para principios de los 2000, Foo Fighters había pasado por suficientes miembros como para formar una banda completamente diferente detrás de ellos.

Por mucho que Dave Grohl pudiera haber creado música asombrosa por sí mismo, su idea de reunir a un elenco de músicos a su alrededor llevó a muchos egos enfrentados, lo que llevó a que la banda se redujera a un trío para el álbum “There is Nothing Left to Lose”.

Una vez que lamieron sus heridas, sin embargo, Grohl casi vio que la banda se desmoronaba al hacer el álbum “One By One”.

Después de las tensiones crecientes entre Grohl y el baterista Taylor Hawkins, muchas de las sesiones del álbum fueron un fastidio para la banda, con el recién llegado Chris Shiflett recordando muchos días en los que se sentaba y tomaba café antes de irse a casa por el día.

Una vez que la banda se enfocó de nuevo y creó un álbum del cual podrían estar orgullosos, Grohl no tuvo el mismo amor por el proyecto como recordaba.

Aunque canciones como ‘All My Life’ y ‘Times Like These’ seguirían siendo una parte fundamental de los shows en vivo de la banda durante el resto de su carrera, Grohl dijo que nunca fue fan de lo que hicieron, recordando que ni siquiera podía recordar cómo sonaba muchas de las canciones.

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Grohl puede convertir muchas canciones en oro, pero definitivamente algo salió mal cuando ni siquiera el compositor puede entender lo que escribió.

“Leather Jackets” — Elton John

Hubo un período en los años 70 cuando parecía que Elton John no podía hacer nada mal. Hasta el lanzamiento de “Goodbye Yellow Brick Road”, John estaba en una racha exitosa con Bernie Taupin. El dúo trabajó para crear obra maestra tras obra maestra durante ese periodo.

Para cuando la pareja decidió tomar un descanso, John admitió que su abuso de sustancias se apoderó de él al armar el álbum “Leather Jackets”.

Siendo uno de los pocos álbumes que hizo sin Taupin, John sintió que la mayoría de las canciones carecían de una dirección coherente durante toda su duración.

Incluso al hablar del sencillo principal ‘Heartache All Over the World’, John fue implacable acerca de lo liviano que era, considerando que todo el álbum era un desastre de principio a fin.

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Sin embargo, a veces se necesita un desastre para ayudar a alguien a enfocarse en hacia dónde quiere que vaya su carrera.

Después del lanzamiento del álbum, John comenzaría su camino hacia la recuperación intentando mantenerse sobrio, abrazando finalmente sus raíces como compositor en los siguientes álbumes y encontrando tiempo para reunirse con Taupin.

A pesar de todo el material excelente que John pudo producir en la década de los 70, “Leather Jackets” es una mancha en su carrera — al menos para él mismo.

“Be Here Now” — Noel Gallagher

Para cuando Oasis llegó a finales de los 90, había una buena probabilidad de que nada pudiera detener su impulso.

Después de demostrar equivocados a sus críticos con el álbum “What’s the Story Morning Glory”, la siguiente fase de su carrera seguramente los colocaría al mismo nivel que actos como The Beatles, con Noel Gallagher escribiendo la respuesta de los años 90 a las obras maestras de sus ídolos.

Mientras las cosas iban bien, la burbuja estaba a punto de explotar cuando la banda finalmente lanzó el álbum “Be Here Now”.

Con algunas de las producciones más exageradas que han adornado un disco de Oasis, la prensa luego ridiculizaría gran parte del álbum por ser demasiado indulgente y convertir lo que podrían haber sido grandes canciones en ejercicios prolongados.

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Mientras Liam Gallagher ha defendido el disco como una obra fenomenal, Noel no ha sido ni remotamente tan amable con el álbum en retrospectiva.

De acuerdo con el consenso común, Noel culpó muchos de los problemas del álbum a perder su mejor juicio durante la grabación, lo que llevó a que las canciones fueran sobre producidas y tuvieran demasiadas sobrecargas de guitarra de las que cualquier persona cuerda usaría.

Aunque en el fondo “Be Here Now” es un disco decente, hay una buena posibilidad de que Noel lo vea como el momento en que la banda desperdició toda su buena voluntad con el público.

“Time Fades Away” ­­­­— Neil Young

Neil Young nunca ha hecho música que no fuera 100% su visión. A lo largo de su tiempo con Crosby, Stills y Nash, y en su carrera en solitario, Young siempre marchó al ritmo de su propio tambor.

Yendo tan lejos como para dejar a algunos de sus compañeros de banda atrás mientras probaba diferentes experimentos de género.

Aunque muchos de los experimentos de Young han pasado de noche, en su opinión, “Time Fades Away” fue uno de los puntos más bajos de su carrera.

Después de una serie de álbumes como “Harvest”, este álbum en vivo presentaría material completamente nuevo con una nueva versión de Crazy Horse.

Aunque presentar nuevo material en el escenario en vivo es solo el tipo de idea loca que Young podría lograr, sintió que la mayoría del material rescatado para el disco era lo peor que había lanzado.

En lugar de mirar los méritos de la actuación, Young pensó que el álbum documenta el triste estado de las cosas en el que se encontraba, con la banda careciendo de química y presentando algunas de las ideas más deslucidas que había tenido hasta ese momento.

Aunque muchas de las canciones de “Time Fades Away” podrían haberse rescatado en algo genial en un entorno de estudio, es fácil escuchar la desconexión entre la banda y el público mientras tratan de armar estas melodías.

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“Never Let Me Down” — David Bowie

Se puede argumentar que David Bowie nunca ha hecho un mal álbum. Aunque ciertamente ha habido altas y bajas en su carrera, “el Camaleón” siempre ha estado reestructurando su sonido en nuevas formas que nadie había escuchado antes.

A pesar de que Bowie siempre se adapta a las circunstancias para crear el mejor álbum que puede en ese momento, admitió que algo salió horriblemente mal al armar “Never Let Me Down”.

Aprovechando el enorme éxito de “Let’s Dance”, los próximos años vieron a Bowie trabajando en sus fortalezas como intérprete pop, incluyendo los elegantes sonidos del álbum “Tonight”.

Para cuando llegó a “Never Let Me Down”, gran parte de los sonidos pulidos de la época tendían a caer en territorio desactualizado, incluido un trabajo de producción deslucido que hacía que todo sonara como si se estuviera ahogando en reverberación.

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Las canciones no eran precisamente las mejores que Bowie había hecho, incluyendo varias escritas para Iggy Pop y una extraña aparición de Mickey Rourke a mitad del álbum.

Aunque el álbum pudo haber tenido una transformación en años recientes con la remezcla del producto final, Bowie terminó entregando un proyecto que jugaba exactamente lo contrario de su título.

“Atom Heart Mother” ­­— Pink Floyd

Después de perder la razón en los primeros días del grupo, Syd Barrett se iría en el álbum “A Saucerful of Secrets”, llevando al resto de la banda a continuar sin su principal compositor.

Aunque el grupo tomaría el camino correcto en los próximos años, “Atom Heart Mother” seguiría siendo uno de los proyectos menos favoritos en los que los miembros habían trabajado.

A pesar de que hacer una pieza extensa podría haber parecido sensato, David Gilmour y Roger Waters pensaron que la alargada pista titular era una de las peores canciones que habían hecho.

A pesar de las palabras crudas de los dos líderes de la banda, el resto del álbum tenía algunas pistas decentes, incluyendo los sonidos frescos de la canción acústica de Gilmour ‘Fat Old Sun’.

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Por otro lado, tal vez una de las razones por las que “Atom Heart Mother” no funcionó en la práctica para ellos es porque palidecía en comparación con la canción ‘Echoes’ del álbum “Meddle”, que llegaría a preparar el terreno para el álbum “Dark Side of the Moon”.

Mientras muchos podrían ver “Atom Heart Mother” como el puente entre ambas eras de Pink Floyd, los miembros siempre lo verán como una idea decente que nunca se materializó completamente.

“Their Satanic Majesties Request” — Mick Jagger

Una de las quejas más comunes dirigidas a los Stones es su dependencia de perseguir tendencias.

Aunque la banda siempre ha podido regresar a sus raíces blues cuando quisieron, las comparaciones entre ellos y The Beatles durante su apogeo en los años 60 no podrían exagerarse, con Mick Jagger y Keith Richards moldeándose a sí mismos en su propia versión de John Lennon y Paul McCartney.

Aunque los Fab Four pudieron sumergirse por primera vez en la psicodelia en 1967, “Their Satanic Majesties Request” nunca resonó de la manera en que Jagger pensó que lo haría.

Esculpiendo su versión de Sgt. Peppers, gran parte del álbum depende de que la banda haga canciones con un tema espacial detrás de ellas, incluyendo la alocada ‘2000 Man’ y el estilizado barroco-pop de ‘She’s A Rainbow’.

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Aunque las canciones del álbum han perdurado como cápsulas de tiempo perfectas de esa época, Jagger pensó que la mayoría de las canciones eran basura en comparación con sus otras obras.

Considerando hacia dónde iría la banda desde allí, sin embargo, es fácil entender dónde estaba la cabeza de Jagger, queriendo volver a conectarse con canciones más blueseras en álbumes como “Let It Bleed” y “Sticky Fingers”.

Aunque The Rolling Stones pudieron transformar su sonido en lo que fuera adecuado para la canción, “Their Satanic Majesties Request” es el sonido de ellos intentando cambiar de trovadores del blues a una banda de jam psicodélico, a menudo con grados variables de éxito.

“Let It Be” — Paul McCartney

Considerando la tensión entre The Beatles durante las grabaciones del “White Album”, lograr que estuvieran en sintonía para su próximo proyecto sería tarea grande.

Después de someterse a un retiro de meditación en India, la banda estaría peleándose la mayor parte del siguiente álbum, lo que llevó a que Paul McCartney tuviera la idea de llevar a todos de vuelta a sus raíces.

Aunque “Let It Be” sería su inesperado adiós después de “Abbey Road”, McCartney estaba furioso cuando escuchó la mezcla final del álbum.

A pesar del deseo de la banda de hacer un álbum más sencillo, el productor Phil Spector fue llamado para afinar la mayoría de las canciones, lo que resultó en muchos adornos orquestales introducidos en contra de los deseos de la banda.

Si bien John Lennon elogió famosamente lo que Spector hizo con las cintas, a McCartney no le impresionó, escribiendo una carta fuertemente redactada a las oficinas de EMI expresando su pesar por cómo salieron canciones como ‘The Long and Winding Road’.

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Incluso años después, McCartney aún no estaba satisfecho con el producto final, creando el álbum “Let It Be…Naked” para reflejar el álbum que hubiera preferido escuchar en los 60.

Mientras que “Abbey Road” pudo haber dejado la carrera de la banda en una nota alta, “Let It Be” sigue siendo un triste epitafio de cómo sonaban las sesiones tensas de la banda.

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