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Una Breve Historia de la Música Clásica Contemporánea

por Escape Musical

Todos los períodos de la música clásica occidental hasta el cambio de siglo XX tuvieron estilos y convenciones dominantes.

Los compositores tendían a ceñirse a estos y gran parte de la música compuesta durante ese tiempo tenía un sonido similar.

Pero, el siglo XX vio a los compositores comenzar a escapar de estas amplias tradiciones de la época y la música clásica se ramificó en muchas subcorrientes diferentes.

Música Clásica Contemporánea

Este artículo investigará las diferentes vertientes de la música clásica del siglo XX, los compositores que contribuyeron a ellas y algunas de sus piezas clave.

Veremos el impresionismo, el modernismo y el atonalismo, la música electrónica y el minimalismo, y las influencias que el jazz y el folk tuvieron sobre la música clásica, así como el impacto causado por la guerra y el trastorno político.

También veremos que se sigue creando música clásica nueva y emocionante en el siglo XXI.

Transición desde el período romántico

Pintura impresionista de pianista

El período de música del siglo XX, como su nombre indica, comenzó alrededor de 1900. Es el último de los seis períodos de las eras de la música clásica y viene después de la era romántica que terminó alrededor de 1910 d.C.

Hacia el final del período romántico, la música clásica había llegado a una especie de punto de inflexión, con muchas convenciones y estructuras que habían permanecido esencialmente en su lugar desde la era barroca de los siglos XVII y XVIII.

Los compositores comenzaron a rechazar estas tradiciones de diferentes maneras en el siglo XX, creando una amplia gama de música totalmente nueva y a menudo radical.

Como resultado, no hay un sonido unificado reconocible para la música de este período, y es, en general, mucho más divergente estilísticamente que las eras anteriores de la música artística occidental.

Movimientos del siglo XX

Como mencionamos anteriormente, el siglo XX no está compuesto por un estilo sino por varios movimientos diferentes que fueron populares entre diferentes compositores y en diferentes momentos a lo largo del siglo XX.

A continuación, veremos algunos de estos movimientos y los compositores que lideraron el camino en desarrollarlos.

Impresionismo

El impresionismo fue un movimiento a finales del siglo XIX y principios del XX tanto en el arte como en la música, que se centró en el ambiente y la atmósfera.

Las obras orquestales de los compositores franceses Maurice Ravel y Claude Debussy utilizaron el timbre, la tonalidad ambigua y las escalas inusuales para sugerir el color.

También pretendía ser encantador y sensual, en contraste con la música pesada y profundamente seria hecha en el período romántico tardío por compositores alemanes como Richard Wagner.

La composición de Debussy “La Mer” representa el mar, aunque él rechazó la etiqueta impresionista:

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Los pintores impresionistas como Claude Monet se centraron en retratar la luz y el movimiento en lugar de recrear realistamente los detalles minuciosos de los objetos.

En una especie de paralelismo con esto, Debussy y Ravel rechazaron la tensión y liberación de la armonía tradicional basada en cadencias a favor de una tonalidad que a menudo era más estática, permaneciendo dentro de un modo como la escala de tonos enteros, por ejemplo, durante períodos prolongados.

Modernismo y atonalismo

La era de práctica común (que utilizaba un sistema tonal basado en centros tonales y progresiones de acordes estándar, así como estructuras como la forma sonata) había estado vigente desde el período barroco, y para el siglo XX había una sensación de que los compositores románticos tardíos como Wagner y Richard Strauss habían hecho todo lo que se podía hacer dentro de este marco.

Mucha de la música compuesta en el siglo XX prescindió de estas reglas, y el movimiento modernista lo hizo de una manera particularmente extrema, en consonancia con su ethos de rechazar la tradición y abrazar la individualidad.

Una de las figuras clave del movimiento modernista fue Arnold Schönberg, quien fue pionero del atonalismo en la década de 1920.

Esta música, que suena bastante disonante, prescinde de la función armónica tradicional y carece de un centro tonal.

También experimentó con la música dodecafónica, que se basa en una serie de tonos formada por las 12 notas de la escala cromática en un orden determinado, con las 12 dadas más o menos igual importancia, y luego manipuladas de varias formas estructuradas.

Aquí hay una de sus piezas para piano:

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Sus alumnos Alban Berg y Anton Webern desarrollaron este enfoque, que a veces se denomina serialismo, y los tres compositores austriacos se conocen colectivamente como la Segunda Escuela de Viena (con Haydn, Mozart y Beethoven como la Primera Escuela de Viena).

En otro lugar, el uso del ritmo del compositor ruso Ígor Stravinski fue muy innovador, utilizando cambios frecuentes de compás.

Esto es especialmente evidente en su revolucionario ballet La consagración de la primavera, que causó bastante revuelo cuando se estrenó por primera vez en 1913:

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Guerra y trastorno político

Con dos guerras mundiales, el siglo XX fue un momento de grandes cambios sociales y políticos, y era inevitable que esto tuviera un impacto en las artes.

Trabajando en la Rusia estalinista, Dmitri Shostakóvich se vio obligado a reducir su modernismo a favor de un estilo más populista e inspirado en el romanticismo en sus obras sinfónicas que era aceptable para las autoridades, pero siguió siendo muy creativo, mientras que sus obras de cámara muestran características modernistas más evidentes.

Quizás en parte como respuesta al trauma de la Primera Guerra Mundial, los años de entreguerras vieron un retorno al arte más ordenado en general, con un enfoque en la estructura y la contención emocional.

En la música, esto se manifestó en el neoclasicismo, un movimiento que tomó influencia del período clásico.

Pulcinella de Stravinsky y Sinfonía clásica de Serguéi Prokófiev ejemplifican esto como piezas que ponen un giro del siglo XX a los estilos de la música de los siglos XVII y XVIII.

El Réquiem de Guerra de Benjamin Britten y Trenodia a las víctimas de Hiroshima de Krzysztof Penderecki son ejemplos de piezas que reflexionan sobre los horrores de la Segunda Guerra Mundial.

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Influencias del jazz y el folk étnico

El jazz fue quizás el mayor desarrollo musical del siglo XX.

Estados Unidos era ahora una fuerza a tener en cuenta en el mundo de la composición clásica por primera vez, y varios compositores estadounidenses buscaron inspiración en el arte, incluidos Leonard Bernstein, Aaron Copland y George Gershwin.

Este último escribió Rhapsody in Blue, que comienza con un clarinete glissando instantáneamente reconocible y hace uso frecuente de la escala blues:

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Los compositores no estadounidenses también se inspiraron en el jazz: La Creación del Mundo del francés Darius Milhaud se inspiró en la música que escuchó en Harlem, Nueva York, mientras que el inglés Malcolm Arnold compuso un concierto para el clarinetista swing Benny Goodman.

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Los compositores también continuaron incorporando su música folclórica nativa en su trabajo, lo que fue una tradición que comenzó en el período romántico.

Béla Bartók recopiló melodías folclóricas húngaras, que le sirvieron de inspiración para su propio trabajo, mientras que Ralph Vaughan Williams escribió una Suite inglesa de canciones populares.

Minimalismo y uso de electrónica y tecnología

A partir de la década de 1960, la escuela minimalista se centró en utilizar material musical mínimo y hacer uso de patrones repetitivos, bucles y técnicas electrónicas, reflejando los avances tecnológicos de la época.

Esta música era generalmente más consonante y menos abiertamente desafiante que la escuela modernista, y compositores como Philip Glass y Steve Reich se hicieron increíblemente populares:

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La música concreta también utilizó la electrónica.

Al tomar sonidos grabados, de instrumentos, la voz humana o el entorno natural, por ejemplo, compositores como Pierre Boulez y Karlheinz Stockhausen manipularían estos materiales brutos y los convertirían en una especie de collages musicales.

Música aleatoria y experimentalismo

Concierto de música experimental

A medida que avanzaba el siglo XX, la gente se inventó varias formas ingeniosas de desafiar el significado mismo de la composición.

La música aleatoria es música en la que algún elemento de la composición se deja al azar. A menudo, esto significa que el intérprete puede determinar cómo se debe tocar parte de la pieza, quizás con una sección improvisada libremente.

El Mosaic Quartet de Henry Cowell permite a los músicos tocar fragmentos de la música en varias secuencias diferentes, lo que significa que la pieza puede sonar diferente cada vez que se interpreta.

El compositor estadounidense John Cage utilizó elementos aleatorios en su música, además de un enfoque pionero de la instrumentación.

Hizo uso de un piano preparado, que tiene objetos colocados sobre o entre las cuerdas para alterar su sonido, a menudo haciéndolo más percusivo.

Mientras tanto, su 4’33″ (en el que los intérpretes no hacen nada excepto estar presentes durante cuatro minutos y 33 segundos, lo que significa que la pieza está compuesta en realidad por los sonidos y el ambiente del entorno) es una de las obras más famosas y controvertidas de la era moderna.

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En otro lugar, compositores como Charles Ives hicieron uso de los microtonos. Estas son notas que son más pequeñas que los semitonos que generalmente usamos.

No estamos acostumbrados a escucharlos, por lo que suenan disonantes y desafinados a nuestros oídos, pero en realidad requieren que los instrumentos se afinen con mucha precisión.

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Música clásica en el siglo XXI

La música clásica importante sigue haciéndose en la actualidad en una variedad de estilos.

Internet ha hecho que la música sea más accesible, lo que facilita que los subgéneros se polinicen e influyan entre sí más fácilmente.

El software musical y notación también ha revolucionado las formas en que hacemos música.

La música de cine se ha vuelto increíblemente popular como forma de arte, y compositores como John Williams y Hans Zimmer han ayudado a llevar la música influenciada por la clásica a un público más amplio.

Conclusión

Así concluye nuestra mirada a la música clásica del siglo XX.

Hemos aprendido sobre el impresionismo, el modernismo, el minimalismo y lo aleatorio, y sobre cómo la guerra, la política y la tecnología influyeron en la música, mientras los compositores rompían las reglas establecidas en siglos anteriores.

¿Qué compositores contemporáneos de música clásica son tus favoritos? ¡Déjanos tu comentario y háznoslo saber!

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