La historia de la música clásica occidental se puede dividir en seis períodos principales. El período renacentista es el segundo de ellos, que une la época medieval, que le precedió, y el período barroco que iba a seguir.
Esta guía esbozará un poco de la historia, las características musicales y los compositores importantes de la época, para darte una comprensión más profunda del período renacentista.
También te proporcionaremos algunos enlaces de YouTube a piezas relevantes para que puedas conocer mejor el sonido de la música de la época.
Tabla de Contenidos
La época de la música renacentista
El período de la música renacentista duró desde 1400 hasta 1600 d.C. y fue un tiempo de gran crecimiento y desarrollo, con una música más expresiva, variada y compleja.
Los compositores tenían más libertad para escribir como les parecía y los avances tecnológicos hicieron que su música llegara a más gente.
Es la segunda de las principales eras clásicas:
- Era medieval (500-1400 d.C.)
- Era del Renacimiento (1400-1600 d.C.)
- Era barroca (1600-1750 d.C.)
- Era clásica (1730-1820 d.C.)
- Era romántica (1800-1910 d.C.)
- Era contemporánea (1900-Presente)
Cambio social
La música religiosa seguía estando omnipresente en el período renacentista, pero el declive de la influencia de la iglesia significó que los compositores ganaron más libertad artística y se les permitió escribir música creativa por sí misma.
Existía un reciente resurgimiento del interés por las culturas antiguas, y los compositores empezaron a inspirarse en el arte y la mitología de la antigua Grecia y Roma, así como en la astronomía y las matemáticas.
Cuando se desarrollaron formas primitivas de anotar música en el período medieval, los compositores pudieron entonces documentar y compartir sus piezas más fácilmente, pero todavía tenían que ser escritas a mano con mucho tiempo.
Sin embargo, la invención de la imprenta en 1439 permitió una distribución mucho más amplia, lo que condujo a un rico intercambio de ideas en toda Europa.
Además, el crecimiento de una clase burguesa (una clase media-alta culta) significó que ahora había un público hecho para la música escrita, ya que la educación musical floreció y cada vez más personas aprendieron a leer música.
Mucha más música de este período sobrevive en comparación con la época medieval.
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Músicos renacentistas
La música coral religiosa fue dominante al principio del período renacentista, con gran parte de ella basada en la polifonía (música que tiene dos o más partes melódicas independientes simultáneas) que se desarrolló al final del período medieval.
Los motetes y las misas fueron dos ejemplos comunes de esto, siendo el último parte de la liturgia de la iglesia.
Los estilos sagrado y secular empezaron a influirse mutuamente: el madrigal (tradicionalmente una canción no religiosa sin acompañamiento para varias voces) fue adoptado como una forma eclesiástica, mientras que los compositores seculares empezaron a escribir motetes.
Al principio del período renacentista las oportunidades para los compositores seculares eran limitadas, con la mayoría del empleo proveniente de las cortes (hogares y residencias de los soberanos), que contrataban músicos como intérpretes, maestros y compositores.
Pero la música secular aumentó en popularidad a medida que pasaba el tiempo, y los compositores podían ahora tomar encargos de aficionados adinerados, mientras que la nueva música impresa también proporcionaba oportunidad financiera.
La Reforma Protestante también significó que ahora tanto las iglesias católicas como las protestantes requerían música para sus respectivos servicios.
La música secular era en gran parte vocal, pero el período vio el desarrollo de la música instrumental por derecho propio.
Esta ya no era música para bailar o acompañar, por ejemplo, sino piezas para ser escuchadas seriamente.
Esto estaba en consonancia con un cambio general en el período renacentista hacia la idea de crear arte por el arte.
La Fantasía de William Byrd (una imitación instrumental de un motete) es un ejemplo de esto:
Las formas de canción secular incluían:
- Lied (alemán)
- Frottola (italiano)
- Chanson (francés)
- Madrigal (italiano)
- Villancico (español)
La ópera, una combinación de teatro y música vocal que se volvería increíblemente popular en los siglos siguientes, se desarrolló en Italia a finales del período renacentista.
Dafne de Jacopo Peri es considerada por muchos como la primera ópera de la historia. Compuesta alrededor de 1597/1598, fue un intento de revivir el estilo del drama clásico griego.
Armonía y estilo
El sistema armónico modal del período medieval (música basada en escalas o modos) permaneció vigente al principio de la época de la música renacentista.
Las reglas para el contrapunto (la relación entre líneas musicales simultáneas e interdependientes) se hicieron más complicadas y estrictas con respecto a qué intervalos se consideran consonantes y cuáles disonantes.
Se empezaron a utilizar intervalos de tercera y sexta, y esto condujo al primer uso de tríadas, los cuales son acordes de tres notas que sustentan gran parte de la música occidental actual.
Aparte de las estrictas reglas que rodean el contrapunto, los compositores tenían mucha más libertad para ser expresivos.
Muchos intentaron incluir emoción en su música, y esto se vio favorecido por un rango vocal mucho mayor en comparación con el período medieval, y una mayor variedad en elementos como el ritmo y la forma.
Se empezaron a añadir alteraciones a los modos eclesiásticos, y el enfoque modal empezó a ser reemplazado gradualmente por la tonalidad funcional (el sistema armónico basado en el centro tonal que regiría la música durante los próximos cientos de años), con un enfoque en las progresiones de acordes, la tonalidad menor y mayor y el movimiento de la raíz basado en el círculo de quintas.
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Esto abrió el camino hacia la armonía de práctica común que se establecería plenamente en el período barroco.
Empezaron a surgir texturas más ricas, con compositores que utilizaban cuatro o más partes independientes.
Cada vez más intentaban hacer que estas partes se fundieran entre sí, siendo la imitación un dispositivo clave que se utilizaba para ayudar a conseguirlo.
La obra tardorenacentista de compositores como Gregorio Allegri y Giovanni Pierluigi da Palestrina, escrita para grandes grupos corales, es grandiosa y compleja.
Notación y teoría
Las partituras musicales aún no estaban en uso común, por lo que las piezas renacentistas sólo se anotaban en partes individuales.
Los compases aún no eran habituales, y los valores de las notas eran generalmente mucho más largos que los que veríamos hoy en día.
Las semibreves y las breves eran las unidades rítmicas principales, en lugar de las negras y las blancas, por lo que una pieza musical escrita durante este tiempo se vería muy diferente a una pieza moderna.
Compositores de la música renacentista
Los compositores del norte de Francia y los Países Bajos, donde las cortes eran especialmente partidarias de las artes, dominaron el principio de la época renacentista.
Más tarde, Italia cobró protagonismo, produciendo muchos compositores notables.
Los artistas de otros lugares también se trasladaron al país, y fue allí donde comenzaron muchas de las primeras innovaciones del período barroco.
Los compositores de la música renacentista importantes incluyen:
- Josquin des Prez (1450/55-1521) — un francés que escribió obras tanto seculares como sagradas
- Giovanni Pierluigi da Palestrina (1525-1594) — compositor italiano de obras religiosas, y famoso exponente de la Escuela Romana
- Thomas Tallis (1505 – 1585) — uno de los mejores compositores ingleses, conocido por sus obras corales
- Guillaume Du Fay (1397-1474) — compositor y teórico musical franco-flamenco
- Orlande de Lassus (1530-1594) — compositor franco-flamenco de música polifónica
Instrumentos de la música renacentista
Muchos instrumentos utilizados en la época de la música renacentista eran precursores de los instrumentos modernos, y algunos de ellos se desarrollaron en nuevas formas alrededor de este tiempo.
Los instrumentos de viento metal incluían la trompeta, que en este momento no tenía válvulas y se utilizaba ampliamente en el ámbito militar, y el sacabuche, una versión temprana del trombón que sustituyó a la trompeta de varas.
La viola, o viola da gamba, era un instrumento de seis cuerdas que se tocaba con un arco mientras se apoyaba en el suelo, de forma similar a un violonchelo moderno.
La lira era otro miembro de la familia de las cuerdas, similar a un arpa moderna en miniatura, se rasgueaba con una púa en lugar de pulsarla con los dedos.
El chirimía (una flauta de madera con doble lengüeta), la flauta travesera y la flauta dulce eran instrumentos de viento madera comúnmente tocados, mientras que los instrumentos de teclado populares incluían el clavecín, el clavicordio y el virginal.
Los avances tecnológicos en la fabricación de instrumentos dieron a los conjuntos acceso a rangos más amplios y a una mayor variedad textural, mientras que los conjuntos también crecieron en tamaño.
Las piezas se volvieron más complejas y se escribieron por primera vez para instrumentos específicos.
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Conclusión
Hemos aprendido cómo la música avanzó desde el período medieval, desarrollándose en complejidad y variedad, antes de que la nueva tecnología y un nuevo enfoque de la armonía abrieran el camino para el período barroco.
Esperamos que te resulte útil e informativo, y que te inspire a escuchar más sonidos maravillosos de autores como Palestrina, Byrd y des Prez.
¿Puedes recomendar a otros compositores o piezas de la música renacentista? ¡Háznoslo saber en los comentarios!
